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L'Orchestre National des Pays de la Loire (ONPL), est un orchestre symphonique français basé en région Pays de la Loire, à Angers et à Nantes. Né en 1971 de la réunion de l'orchestre de l'ancien opéra de Nantes et de la Société des concerts populaires d'Angers, il est d'abord Orchestre Philharmonique des Pays de la Loire (OPPL) avant de devenir Orchestre National des Pays de la Loire en 1985. De notoriété internationale, l'Orchestre National des Pays de la Loire (ONPL) propose des concerts de musique classique et contemporaine sur l’ensemble du territoire régional et dans le monde entier. L’objectif de l'Orchestre National des Pays de la Loire est de partager la musique avec le plus grand nombre, y compris dans les plus petites communes ligériennes. Il bénéficie du soutien financier de la Région des Pays de la Loire, du Ministère de la culture, des Villes de Nantes et d'Angers et des Départements de Loire-Atlantique, du Maine-et-Loire et de Vendée. --------------- Orchestre national des Pays de la Loire – John Axelrod, direction Symphonie n° 40 : Enregistrement à la Cité des congrès de Nantes en septembre 2009 Symphonie n°4 : Enregistrement à la Cité des congrès de Nantes en mars 2010

Après deux années passées au Cameroun, Cendrio repéré par les professionnels, débute sa carrière en 1997 avec un premier album « Sur le même trottoir » sous le label Mi Cora Son. « C’est un artiste complet, une très belle âme » dit le journaliste Eric Bastien dans sa chronique découverte musicale. Cette même année Cendrio anime un atelier d’écriture avec des jeunes adolescents en placement éducatif de la protection judiciaire. Ayant exercé pendant une vingtaine d’années son métier d’infirmier, il décide en 2016 de passer le cap de la professionnalisation et s’engage à cent pour cent dans sa passion artistique. « Vertiges » paraît en 2020 de nouveau sous le label indépendant Lestproduction. Le texte de la chanson « Une fleur dessinée par Charlie » est finaliste du concours de poésie organisé par la Ratp, il sera édité chez Gallimard. Des diffusions sont remarquées au canada. La presse et les webzines (Nouvel vague, Nos enchanteurs, Midi Libre, Centre presse etc.) font l’éloge de cet album.

Le Chœur d'Hommes d'Anjou interprète aussi bien des chants traditionnels, des chants de la mémoire, des liturgies orthodoxes, des chœurs d'opéras et du Gospel. Après notre “Petite Barque” de 1999, “Libertés” en 2003, et “Opéra Tradition” en 2006, notre 4ème CD “Carnets de Voyages” prend tout son sens dans l'histoire du Chœur d'Hommes d'Anjou.

Avec son troisième album studio, Sweet Gum Tree assume un son plus organique et acoustique, quitte à prendre le terrain du psyché, pour le plaisir de nos oreilles Plus de dix ans sur les routes, une signature unique et, surtout, des compos d’une rare luminescence, mieux, inspirantes. Avec un répertoire éprouvé sur scène un peu partout en Europe, l’Angevin Arno Sojo aka Sweet Gum Tree, reste fidèle à une élégance définitivement british et s’affirme comme un artiste à part, au parcours jalonné d’albums joliment ficelés, et des featuring avec Tindersticks, The Church ou R.E.M. Son nouvel effort reste dans cette veine : élégant, sobre, à la production classieuse, enregistré chez Kerwax, avec le batteur des Tindersticks et le saxophoniste de Zenzile. Ses réminiscences de souvenirs londoniens narrés sur fond de guitares cristallines et de basses profondes en font l’un des albums les plus poétiques et réussis du moment.

Pour décrire la musique de Lo’Jo, il faudrait puiser à la fois dans un dico des rythmes du monde et une encyclopédie des harmonies universelles. On y emprunterait des adjectifs comme bigarré, chamanique, polyglotte, épique, on se baladerait de savanes en déserts, de fleuves en océans, de prairies en bitume, il y aurait des rayons de soleil et des nuages de poussière, des senteurs de pluie, des odeurs de feu et des saveurs d’épices, des flonflons et des youyous, des fiestas et des bivouacs. Pas un fourre-tout sonore, non, plutôt un grand souk acoustique qui proposerait au chaland esbaudi arômes de guinguette et effluves tziganes, valse apache et bamboche rasta, blues berbère et swing africain, rock et danse du ventre, groove et vaudou. Un sacré Bazar Savant avec henné et barbe à papa, muezzins et camelots. Déjà trente ans que cette angélique tribu angevine promène autour du monde son hétéroclite et éclectique bagage musical. Pas un groupe, plutôt une caravane, un collectif de fieffés bourlingueurs-funambules-globe-trotters ouverts à toutes les expériences, toutes les rencontres. En une douzaine de disques, la bande à Lo’Jo, venue qui du punk, qui du jazz, qui du rock, a exploré autant de directions musicales que de continents. Comme dit Denis Péan, chanteur et parolier, « notre musique est un jardin anarchique qu’on essaie de cultiver pour le rendre à la fois beau et sauvage. Le temps, c’est vrai, ne semble avoir aucune prise sur ces nomades enracinés. Même si depuis les débuts de l’aventure des musiciens sont venus, d’autres repartis, l’orchestre s’est stabilisé autour de six membres : Denis, donc, poète à chapeau maniant volontiers l’orgue de barbarie ou l’harmonium indien, Nadia et Yamina, les sœurs choristes et muses tourbillonnantes, Richard le virtuose de l’archet, Kham le bassiste et Baptiste le batteur. Le charme aventureux de Lo’Jo, ce sont ces violons aux coups de reins voluptueux, ces cascades de kora agile, ces chœurs féminins virevoltants et ces percussions acrobatiques, « arômes polyrythmiques, petites fleurs pentatoniques » comme ils disent. Et les textes de Denis, mélange de sabir guttural et de poésie à la Robert Desnos, entre fables de griots et aphorismes humanistes, mêlant français, espagnol, arabe, créole ou anglais. Un cocktail envoûtant et généreux qui a forgé leur réputation de Bamako à New York en passant par Sydney, Barcelone ou Athènes, séduit aussi bien Peter Gabriel que le Quarteto Cedron, Justin Adams, producteur de Sinnead O’Connor ou Robert Plant, ex-chanteur de Led Zeppelin. Il y a une demi-douzaine d’années, les Lo’Jo ont été à l’origine du premier Festival du désert qui a accueilli, près de Tombouctou, aux confins du Mali, une flopée de groupes sahariens, nigériens ou mauritaniens, entre autres le bluesman malien Ali Farka Touré, les Tinariwen, rockers berbères ou, justement, le dénommé Robert Plant. Aujourd’hui, la tribu fête trois décennies de pérégrinations soniques et de tribulations harmoniques. Infatigables baladins du monde, troubadours planétaires et planants. « Fils de Zamal » occupe une place à part dans la carrière de LO'JO. Paru en 1993, c'est le premier album à présenter toutes les facettes qui deviendront la marque de fabrique du groupe ! Il parait pour la première fois en édition vinyle !

Bud McMUFFIN est un duo puissant de Blues Folk Rock originaire d'Angers, en France. paru le 1 février 2014 McMuffin family : Bud (guitares, banjo, ukulele, chant, choeurs, orgue) Tony dit Titou (batterie, percussions, bac à ciment, orgue, piano) Fred (violoncelle) Youenn (lap steel), Olaf (trompette, trombone, bugle), Xavier (saxophone, trombone), Peter (tuba), Nico (son) Design graphique : Antoine Gadiou

« Il y a à Angers une ébullition de création musicale, mais comme la ville est petite, on ne sait pas ce qu'il s'y passe. C'est notre rôle de montrer la scène musicale », explique Arash Saeidi, un des fondateurs de l'association Angers Calling associée à K.Libres pour la sortie de la compilation.

"Itinéraires Jazz" : vinyle édité dans le cadre d'Itinéraires jazz, un projet organisé de mai à juillet 2015 par le BiblioPôle, réseau de lecture publique, et le Service de la culture du Département de Maine-et-Loire, en collaboration avec le Réseau des bibliothèques de la Communauté de Communes Ouest Anjou, la Coordination de la lecture Publique de Chemillé, les médiathèques de Chemillé et Segré, les festivals Saveurs Jazz Festival (Segré) et Camiliacus Jazz Festival (Chemillé), Le Pays et l’École de musique de l'Anjou bleu, l’École de Musique de la Région de Chemillé. Style: Cool Jazz, Contemporary Jazz, Fusion, Latin Jazz, Swing, Dixieland

Se définissant lui-même comme un artisan de la musique, Fabrice Falandry est également professeur de guitare. Expert des registres delta-blues (slide, Weissenborn et lap-steel), il a déjà publié deux E.P.s (“Au Zénith” en 2017, et “Le Goût De L’Effort” en 2019), et ouvert en concert pour Otis Taylor, Nick Moss, Paul Personne, Sanseverino, Tété et Michel Jonasz. Enregistrées en trois jours seulement à Saint-Brieuc, ses parties guitares et voix furent ensuite enrichies des apports respectifs de l’harmonica de Bruno Tredjeu, de la slide de Mathieu Pesqué (qui produit le tout), ainsi que de ceux, tout aussi ponctuels, de la batterie de François Pancher, de la basse de Fred Féraud et du violon de Marie Lesnik. Par delà sa magistrale maîtrise instrumentale, ce qui distingue Fabrice Falandry du peloton des bluesmen acoustiques de l’Hexagone, c’est avant tout son parti-pris de la francophonie. Autant ciselés que d’une rigueur consommée, ses textes distillent une poésie de l’errance et de la dissidence fidèle aux thêmes récurrents du blues (“Je Ne Suis Pas Un Toit”, “Ce Que Nous Sommes”), tout en véhiculant des préoccupations aussi actuelles qu’intemporelles (justice sociale, écologie, ancrage territorial…). D’une diction impeccable, son chant égrène des lyrics perpétuant les traditions d’un Bill Deraime ou d’un Francis Cabrel (dont il reprend ici le “Samedi Soir Sur La Terre”), tandis que son picking (souvent marié à la slide) renvoie à la veine agreste d’un Cadijo (“La Folie Des Gens Ordinaires”, “Le Goût De L’Effort”). Dans l’esprit alerte et sophistiqué du grand Mississippi John Hurt, la plage titulaire emporte ainsi l’adhésion, de même en ce registre que “Chez Moi” et “La Crue. Un peu comme si les premiers Hot Tuna avaient marié Gary Davis à Gérard Manset, voici un album qui ravira autant les amateurs exigeants de blues acoustique que ceux des belles lettres. Faîtes donc comme lui, tentez l’expérience!

Fondé sur la base d'un one-man-band en 1998 par I.L, Reverence sort sa première réalisation Winds of North en 20011. Il s'ensuit une seconde, Wenn Die Nacht Kommt... en 2002, produite par le label discographique français D.U.K.E. En 2003, le split Decorporation avec Blut Aus Nord sort en vinyle, il est également produit par D.U.K.E. Cette même année, Reverence prend la forme d'un groupe à part entière avec l'arrivée de Sagoth (Antaeus, Eternal Majesty) à la basse et Earendal (Animus Herilis). En 2004, Sagoth quitte le groupe pour se consacrer pleinement à Eternal Majesty ; il est remplacé par Aym. Aussi, Earendal, pour des raisons de santé quitte Reverence. En parallèle, le split Anti-Life Terror voit le jour sur le label Brutal Druid Productions. Le label français DeadSun Records signe, au début de 2005, Reverence pour son premier album, ainsi, Industrial Mental Concept est alors disponible à la fin de cette même année. Il s'ensuit un second split-album avec les groupes Bloodoline, Karras, et une fois de plus Blut Aus Nord. Intitulé Dissociated Human Junction, cette réalisation sort sur le label anglais Panik-Terror-Musik en 2006. Reverence voit l'arrivée de son nouveau batteur, V.R (Asmodée, Offending) et prépare son nouvel album. Le groupe se voit alors proposer un deal avec le label italien Avantgarde Music. Chamber of Divine Elaboration (également appelé CoDE) est rendu disponible en 2007. CoDE est enregistré au Drudenhaus Studio par Neb Xort (Anorexia Nervosa). KK, chanteur de Trepalium, vient prêter sa voix et participe au texte du titre Astral Noise Projection2. Le groupe commence ses premières prestations en live en 2008, mais avec un nouveau bassiste à la suite du départ d'Aym, Egwil (Lyzanxia, Seth). Le groupe enchaîne alors une série de dates en France en compagnie de Heimoth (Seth, Code) comme second guitariste. En 2009, Osmose Productions signe Reverence pour son troisième album Inactive Theocracy2,3,4. Ce dernier est enregistré comme son prédécesseur au Drudenhaus Studio5. Pour l'occasion, Hreidmarr (Anorexia Nervosa, CNK, Glaciation) vient poser sa voix sur le titre When The Light Blossoms ainsi que DK. Deviant (Arkhon Infaustus, Osculum Infame) sur le titre The Axis of Horror, les paroles de ce titre sont écrites en collaboration entre I.L et Deviant. C'est en 2011 que le label français D.U.K.E revient vers le groupe en sortant la version LP collection de l'album Inactive Theocracy, initialement sortie sur Osmose Productions. 2012, les Anglais de Candlelight Records signe un contrat avec Reverence pour son quatrième album The Asthenic Ascension6. Le titre Who Those Believed est écrit par Heimoth (Seth, Code). C'est en 2013 que le label Pictinian Records sort le tribute : Ond - A tribute to Enslaved pour les 20 ans d'existence du groupe norvégien7. Reverence y figure en interprétant le titre Path To Vanir, de l'album Runn. À noter l'implication particulière d'Enslaved pour ce tribute.

Chanson Parlée, Spoken word, Musique,... Mélanger la musique et la poésie et considérer que "Parler, c'est déjà chanter sous la langue" (Michel Serres) Un comédien, trois musiciens, quelques mots, quelques notes pour vous inviter à pousser tranquillement la porte et entrer dans notre Monde de Fada.

Si le groupe est né dans les années 70, à l’initiative de Rémi Bouchaud et de Philippe Lainé - ce dernier rejoint peu de temps après par son frère Didier – c’est la décision de se produire en public qui les poussera à choisir un nom de groupe évocateur : ce sera d’abord Poséidon, puis Dionysos. Et ce n’est qu’en 1980 que le groupe prendra le nom définitif de SAÏNO dans le but de créer ses propres compositions et de partir sur la route. Le groupe se compose alors de Didier LAINE (basse), Philippe LAINE (gt solo),Rémi BOUCHAUD (gt rhythmique), André GRIFFON à la batterie tous quatre anciens membres de POSEIDON & DYONYSOS ; avec eux se joignent ensuite Claude KERVILLE (claviers), remplacé quelque mois plus tard par Thierry JAMARD (claviers), puis par Pierre ORTION (synthés-piano Fender Rhodes). Deux 33t vinyles verront le jour : le premier en 1981, un instrumental d’essence jazz-rock « Le chien Cerbère », et le second « Bitume rouge » en 1984, du rock français . Mais tout a une fin et, finalement en Juin 1984, SAÏNO livre sa dernière prestation à Cholet (amphithéâtre de Ribou). Le groupe se sépare… pour renaître de ses cendres vingt ans plus tard en 2004. Le trio fondateur est alors rejoint par deux nouveaux musiciens : Jo Raimbault (chant & guitare) et Fred Bossard (batterie & chœurs). Après quelques mois de répétition, SAÏNO new look repart sur la route pour y interpréter le plus fidèlement possible les classiques majeurs et intemporels du rock anglais des années 1967 à 1975 : Rolling Stones, Beatles, Jimi Hendrix, Pink Flyod, The Who, Led Zeppelin etc…

Qu’il ait fallu à Manuel Bienvenu plusieurs années de labeur persévérant et le recours à un financement participatif pour mener à son terme la gestation de ce troisième album solo en une décennie en dit sans doute tout aussi long sur le délabrement et la surdité des entreprises musicales d’ici que sur sa volonté passionnée pour ne rien concéder d’essentiel aux pressions extérieures infondées. Bien lui en a pris puisque l’on découvre avec ravissement en Amanuma son œuvre à la fois la plus ambitieuse et la plus immédiatement séduisante. En neuf compositions originales et deux reprises de premier choix (North Marine Drive de Ben Watt pour la filiation pop et Seventeen de Michael Mantler, compositeur et trompettiste de jazz, comme pour mieux asseoir son œuvre en équilibre entre ses deux univers de prédilection), Manuel Bienvenu parvient à donner vie et sens à un univers musical personnel, où les chansons souvent magnifiques respirent en toute liberté. Un monde où les claviers jazzy et sophistiqués procurent comme chez Steely Dan une impression trompeuse de confort pour suivre ensuite les progressions mélodiques dans leurs dédales déroutants, où les mélodies se plaisent à emprunter des chemins de traverse qui louvoient parfois du côté de Canterbury et de son école de pataphysique musicale. Poly-instrumentiste accompli, il a su également s’entourer de collaborateurs amicaux parmi lesquels on croise la fine fleur hexagonale – Jean-Michel Pires à la batterie et Benoît Burello (Bed) entre autres. Ces musiciens apportent leurs contributions respectives à des arrangements acoustiques d’une grande sophistication (cordes sur Landscape, saxophone, clarinette basse et vibraphone pour Summers In Submarines). En amoureux des sonorités vintage, Manuel Bienvenu a résolument privilégié une prise de son chaleureuse où aucun artifice ne vient dénaturer la voix de chaque instrument, dans un ordonnancement presque naturaliste ou chaque corde, frappée ou pincée mais toujours sensible, résonne jusqu’au bout de chaque note. Pour autant, ce soin méticuleux du détail ne perturbe jamais l’architecture d’ensemble de ce beau monument d’orfèvrerie sonore. Un trésor d’album dont les écoutes répétées n’épuisent pas les richesses.

Qu’il ait fallu à Manuel Bienvenu plusieurs années de labeur persévérant et le recours à un financement participatif pour mener à son terme la gestation de ce troisième album solo en une décennie en dit sans doute tout aussi long sur le délabrement et la surdité des entreprises musicales d’ici que sur sa volonté passionnée pour ne rien concéder d’essentiel aux pressions extérieures infondées. Bien lui en a pris puisque l’on découvre avec ravissement en Amanuma son œuvre à la fois la plus ambitieuse et la plus immédiatement séduisante. En neuf compositions originales et deux reprises de premier choix (North Marine Drive de Ben Watt pour la filiation pop et Seventeen de Michael Mantler, compositeur et trompettiste de jazz, comme pour mieux asseoir son œuvre en équilibre entre ses deux univers de prédilection), Manuel Bienvenu parvient à donner vie et sens à un univers musical personnel, où les chansons souvent magnifiques respirent en toute liberté. Un monde où les claviers jazzy et sophistiqués procurent comme chez Steely Dan une impression trompeuse de confort pour suivre ensuite les progressions mélodiques dans leurs dédales déroutants, où les mélodies se plaisent à emprunter des chemins de traverse qui louvoient parfois du côté de Canterbury et de son école de pataphysique musicale. Poly-instrumentiste accompli, il a su également s’entourer de collaborateurs amicaux parmi lesquels on croise la fine fleur hexagonale – Jean-Michel Pires à la batterie et Benoît Burello (Bed) entre autres. Ces musiciens apportent leurs contributions respectives à des arrangements acoustiques d’une grande sophistication (cordes sur Landscape, saxophone, clarinette basse et vibraphone pour Summers In Submarines). En amoureux des sonorités vintage, Manuel Bienvenu a résolument privilégié une prise de son chaleureuse où aucun artifice ne vient dénaturer la voix de chaque instrument, dans un ordonnancement presque naturaliste ou chaque corde, frappée ou pincée mais toujours sensible, résonne jusqu’au bout de chaque note. Pour autant, ce soin méticuleux du détail ne perturbe jamais l’architecture d’ensemble de ce beau monument d’orfèvrerie sonore. Un trésor d’album dont les écoutes répétées n’épuisent pas les richesses.

Si les Stepping Stones commencent en 1988 en tant que trio Angevin, avec Hervé Legeay (chant, guitare) et une section basse batterie assurée par deux anciens membres du groupe « Les Rocks », le départ d'Hervé pour Paris va entrainer un changement de ligne up et une transformation du groupe en quatuor avec Hervé Legeay (chant, guitare) , Gilles Mallet (guitare ex Little Bob), Christian Banet (Basse ex Nightrider) et Patrick Tacinelli (Batterie).

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